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7月6日傍晚，随着最后一个音符在上海大剧院消散，拜罗伊特音乐节2022年版瓦格纳三幕歌剧《特里斯坦与伊索尔德》完成了在沪的最后一场演出。

这场持续三天的歌剧盛宴，作为“拜罗伊特在上海”三年歌剧计划的首部作品，由上海歌剧院与上海大剧院联合出品，以高水准的艺术呈现为沪上歌剧迷留下了一场难忘而美好的记忆。

本次演出严格参照拜罗伊特音乐节2022年版制作标准，导演罗兰·施瓦布的舞台构想在上海大剧院得到完整落地。舞台以天地双重椭圆结构为核心视觉符号，象征宇宙与心灵的共振关系，斜插于舞台前方的梵文“永恒”灯牌则暗合瓦格纳创作时对印度哲学的研究。

舞美设计皮耶罗·文奇盖拉团队与上海歌剧院密切合作。为确保精准还原，团队预先对舞台空间构造进行了数十次模拟测试，将装台流程拆解为127个具体步骤，并对每个环节进行时间把控和压力测试。通过精细化操作，最终将装台时间压缩至48小时，较常规大型歌剧装台效率提升30% 。

瓦格纳曾孙女、拜罗伊特音乐节艺术总监卡塔琳娜·瓦格纳表示：“上海歌剧院的制作实力与艺术水准令人印象深刻，舞台呈现与原版极为接近。许忠的指挥表现出色，乐团的声音状态很好。上海大剧院的空间非常棒，视野开阔，声学效果也很理想，这为作品呈现提供了很好的基础。”该剧导演罗兰·施瓦布也对演出场地给予肯定：“我一直希望这个制作能有合适的剧院做空间延伸，上海大剧院实现了这一点。”

创作于1857-1859年间的《特里斯坦与伊索尔德》颠覆了19世纪歌剧的传统范式，堪称瓦格纳艺术生涯的里程碑。

以中世纪布列塔尼的爱情悲剧为蓝本，却摒弃了传统歌剧的分曲结构，采用“无终旋律”（unending melody）贯穿全剧，长达近300分钟的音乐如潮水般连绵不绝，彻底打破了宣叙调与咏叹调的界限。这种创新使得戏剧发展不再依赖固定的音乐形式，而是通过音乐动机的变形、交织推动剧情演进。

全剧最具革命性的当属“特里斯坦和弦”（F-B-D#-G#）的运用。这个出现在序曲开篇的不协和和弦，以未解决的半音化和声模糊了调性归属，打破了自巴赫以来建立的传统功能和声体系，被音乐史学家汉斯·海因里希·埃格布雷希特称为“西方音乐史上的转折点”。瓦格纳以此和弦象征剧中人物“无尽渴望”与“未满足的欲望”，并将其发展为核心动机，通过不同音区、配器的变化，贯穿于男女主人公的情感纠葛中。

在戏剧结构上，瓦格纳将传统的外部冲突转化为人物的心理斗争。剧中特里斯坦与伊索尔德从误饮爱情药水后的激情相拥，到面对世俗伦理的压抑、挣扎，最终在“爱之死”（Liebestod）中实现精神解脱，整个过程通过音乐细腻刻画了人物的心理流变。

尤其第二幕的“爱的二重唱”与第三幕伊索尔德的“爱之死”唱段，瓦格纳运用庞大的管弦乐编制与复杂的和声进行，将人类对永恒之爱的追求推向哲学高度。音乐学家唐纳德·杰·格劳特指出：“在这部作品中，音乐不再是戏剧的附属，而是成为了戏剧本身。”

指挥家许忠执棒上海歌剧院交响乐团完成了全剧的音乐呈现，乐团还特邀五位国际名团的首席演奏家参与到此次演绎当中。

巴黎管弦乐团大提琴首席埃里克·皮卡、法国国家管弦乐团英国管首席劳伦特·德克尔、莱比锡布商大厦管弦乐团定音鼓首席马蒂亚斯·穆勒的加入，为乐团带来了更贴近德奥传统的演奏质感。在排练阶段，许忠组织乐团进行了为期一个月的专项训练，针对瓦格纳作品中复杂的和声结构、超长的旋律线条，开展了分声部特训与合练。

乐团对“特里斯坦和弦”的和声张力把控、“无终旋律”的连贯性处理，以及各声部的平衡表现获得了观众和业内的广泛认可。

第三幕中，英国管演奏的牧歌主题呈现出清晰的穿透力，大提琴声部铺陈的“渴望动机”通过半音化行进形成持续的情感张力，低音弦乐组的音色统一性尤其得到业内肯定。

声乐阵容方面，国际与中国歌唱家分饰主要角色。美国女高音丽丝·林德斯特伦、尼娜·沃伦交替饰演伊索尔德，其中丽丝·林德斯特伦在“爱之死”唱段中展现出稳定的声音控制力。德国男中音凯·斯蒂弗曼饰演的库文纳尔，低音区呈现出丰富的泛音层次。拉脱维亚低男中音埃吉尔斯·西林斯与上海歌剧院歌唱家余杨交替出演马克国王，两人分别以不同的音色处理展现角色的威严与复杂情感。